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Diseño expositivo en el Ateneo de Madrid 

Tras un avance presentado en la Feria ARCO 2025, la exposición «Singular es plural» de la Fundación Caja Extremadura en el Ateneo de Madrid celebra el 10º aniversario de su Premio de Artes Visuales Obra Abierta con una muestra que reúne piezas de 12 artistas de distintas generaciones, que trabajan diversos discursos y medios.

En el pabellón de FCE para ARCO, el reto fue doble: dar forma a las intenciones de la obra de Maider López —la única pieza expuesta— y al mismo tiempo insinuar una colección más amplia. En esta nueva exposición, el objetivo es revelar una colección compuesta por obras de arte muy diversas, otorgando a cada una su lugar individual dentro de un discurso y un espacio compartidos.

El diseño para la Sala Anselma, del Ateneo de Madrid, crea un espacio relativamente independiente para cada una de las obras en exposición mediante el uso de mallas de sombreo de invernadero dispuestas paralelamente. Estas pantallas se sujetan con estructuras ligeras de listones de madera que, sin embargo, configuran sombras que construyen un paisaje llamativo y frágil, haciendo memorable el acontecimiento del aniversario. Así, la exposición se convierte en la celebración de un paisaje y un espacio común.

Las salas individuales creadas para la contemplación de las distintas obras se conforman mediante ‘filtros’ que se disuelven en un paisaje de contenidos. Construidos con una estructura ligera de madera y tela traslúcida, estos elementos separan sin aislar, permitiendo conexión, unidad y continuidad entre las piezas. La disposición de espacios paralelos y consecutivos, aporta profundidad y narrativa a una sala difícil. Era imprescindible que las estructuras fueran ligeras, de fácil montaje, en muchos casos autoportantes y que no dejaran rastro. Por esta razón, su diseño es arriesgado, desenfadado y llamativo, reforzando la apariencia de no necesitar las paredes existentes.

Los ‘muros’ de tela traslúcida verde coinciden en posición entre altillo y semisótano, simulando continuidad entre ambos niveles y conformando ‘otro paisaje para otra vida’, a modo de espacios tecnificados, lúdicos, críticos y productivos que se superponen al mundo que creemos habitar.

Con paredes blancas y rincones oscuros, el verde de las pantallas completa un paisaje que evoca una bandera de Extremadura disuelta, camuflada y sugerida a lo largo del recorrido del visitante.

PABELLÓN EN ARCO 2025

Fundación Caja Extremadura presenta en su espacio de ARCO2025 una de las obras ganadoras de su certamen anual de arte – el vídeo «Mimicking the birds mimicking the waves» de la artista Maider López – en el marco del programa «Obra Abierta», dirigido y coordinado por YGBART (Lucía Ybarra y Rosina Gómez-Baeza).

El trabajo de Maider López cuestiona nuestras ideas de «frontera» y nos propone estructuras transescalares y transespecie a través de la mímesis o la imitación. Nos invita a jugar con los límites, tanteando pequeños accidentes que, sin su intervención, aparentan ser barreras físicas y conceptuales demasiado sólidas. En el vídeo, una sencilla coreografía parece jugar con uno de esos límites, alentando a ensayar hasta dónde es posible transformarse. Maider López ha desarrollado algunos de sus trabajos más conocidos a la escala del paisaje, valiéndose de procesos de transformación espacial y modificaciones de uso cercanos a la arquitectura.

El diseño para el espacio de Fundación Caja Extremadura en ARCO2025, realizado por Ángel Borrego Cubero /OSS, es un juego de planos y volúmenes que imita el «tanteo» de las personas con las olas en el vídeo de Maider López. Invita a los visitantes de la feria a relacionarse mediante una coreografía que refleja aquella del vídeo. Es un paisaje en el que la Fundación Caja Extremadura se reinterpreta y se sugiere al público, invitándolo a descubrir futuras actividades en común.

La presencia de la Fundación en ARCO2025 se concibe como un ensayo espacial: expone una única obra a la vez que apunta al archivo de la colección compuesta por la convocatoria de «Obra Abierta». El diseño y la elección de materiales diluyen la frontera entre almacenaje y exposición, sugiriendo que la obra forma parte de un archivo, de un proceso y de una actividad más amplia.

En la escenografía creada para la Fundación Caja Extremadura se invita a los visitantes a compartir su interpretación del concepto ‘frontera’, un término que, de algún modo, también define a Extremadura. Los testimonios grabados son posteriormente expuestos en el propio espacio.

Pabellón de España en la FIL 2024

BAJO EL MISMO SOL

«Este Sol de justicia en toda parte, sin hacer división o diferencia, su clara lumbre de piedad reparte, a ninguno negando su presencia» _ Emblemas morales de Sebastián de Covarrubias Orozco (1610)

La 38ª edición de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, celebrada en 2024, tuvo a España como país invitado de honor. Bajo el lema «Camino de ida y vuelta», su participación, coordinada por Acción Cultural Española (AC/E), buscó reflejar la imagen de un país plural, diverso y multicultural, que actúa como un vínculo de comunicación entre Europa y América del Sur, un puente que conecta ambas orillas del Atlántico.

Nos inspiramos en un emblema de Sebastián de Covarrubias Orozco, donde el mismo sol alumbra dos orillas, dos ciudades, dos países, el mundo entero. La imagen permite una lectura contemporánea que habla de generosidad, empatía, multiplicidad y universalidad. Culturas diversas, aparentemente alejadas, comparten recursos y culturas comunes. Entendemos el «camino de ida y vuelta» como la condición natural de este vínculo profundo: ciudades enfrentadas pero próximas, que se miran a través del mar, de un campo y de un sol común. Nuestra formalización del pabellón parte de esta idea de espacio compartido, abriéndose en dos ciudades, dos gradas, dos laberintos cercanos mirándose y creando un lugar de encuentros, diálogos, acciones, descanso comunitario y miradas cruzadas.

El portentoso sol omnipresente de esa imagen también nos recuerda la angustia colectiva por el calentamiento global, un llamado urgente a reducir el impacto de la actividad humana sobre el planeta. Por ello, proponemos un pabellón radicalmente sostenible, construido con sistemas y elementos basados en el reciclaje y la circularidad, con ambición de residuo cero. La producción utiliza materiales sostenibles y reutilizables provenientes de la industria y la economía local (andamios de obra, cartón reciclado, estructuras ligeras de madera), así como materiales recuperados de otras exposiciones y obras locales (como rollos de alfombras usadas en ferias anteriores, reutilizadas como absorbentes acústicos).

El diseño del pabellón reinterpreta la arquitectura muraria de México y España, empleando materiales ligeros y una construcción que favorece la transparencia, los juegos de luces y sombras, y las perspectivas cruzadas. Más que una forma concreta de dimensiones específicas, buscamos crear espacios y atmósferas que propicien el encuentro. La propuesta se ha concebido con flexibilidad, de modo que las dimensiones finales de los diferentes elementos puedan adaptarse a las necesidades, contenidos y recursos disponibles.

Aunque parte del programa de usos se desarrolla en la planta superior, todas las actividades abiertas al público son accesibles en la planta baja. Además, la propuesta incluye la posibilidad de instalar una plataforma elevadora.

La elección de elementos estandarizados y accesibles localmente facilita tanto el montaje como el desmontaje del pabellón, contribuyendo a la practicidad y a la reducción del impacto medioambiental.

El borde de una herida

El borde de una herida, una muestra comisariada por Juan Guardiola, co-producción de Centrocentro Cibeles y Cdan Fundación Beulas podría ser definida como una «reflexión poética y política del viaje del migrante desde la creación contemporánea». La muestra se inauguró el 16 de febrero y permanecío abierta hasta el 4 de junio 2017, en CentroCentro, Madrid.

El diseño expositivo de OSS refuerza el discurso de la exposición y facilita el recorrido de la misma. Un sólo elemento de la intervención se hace percibir y concentra función y significado: se trata de una valla hecha con maderas y tela de invernadero, que describe un trazado ligeramente en zig-zag, situada en la sección central de la muestra. En un primer nivel, la función de la valla es la de orientar el visitante en un espacio que resulta confuso a la vez que separar una zona en penumbra en la que se presentan audiovisuales de otra con luz más intensa. Este contraste en la iluminación también hace referencia al juego dramático de ocultación y visibilidad que se sucede en las fronteras más vigiladas. Una segunda lectura desvela que esta valla guía a la vez que fuerza al visitante a recorrer un camino estrecho y controlado. Asoma amenazante e incómoda entre los muros de las salas, reduce el espacio personal del visitante y sus movimientos. Los materiales empleados refieren también a los dos sectores de la economía donde más inmigrantes suelen trabajar en España: la construcción y la agricultura de invernadero.

Urban Space Station

Un prototipo para poblar las azoteas y otros espacios residuales con ecosistemas redentores de alta biodiversidad, los USS-s ayudan a la recuperación natural de los entornos urbanos. Captan las emisiones de carbono y generan oxígeno además de tener fines científicos, educativos y recreativos. La doble piel de ETFE permite que la estructura sea ligera y crea un intercambio de temperatura. El agua de lluvia se acumula en las bolsas del vientre, mientras que el diseño de la textura de la propia estructura ayuda a canalizar el flujo de aire para generar electricidad. El uso secundario como colector de partículas ultra finas ha demostrado ser capaz de limpiar el aire pasivamente a nivel de la calle cerca de los edificios anfitriones. Un prototipo a escala 40% (USS 1.0) fue construido y probado dentro de la exposición Souls & Machines, Digital Art & New Media, realizada en 2008, en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía de Madrid. En 2016, se construyó un prototipo 1:1 para la Trienal de Arte Emscherkunst de Alemania. Colocado encima de un edificio existente, acoplado al aire acondicionado de los edificios circundantes, USS generó un circuito de limpieza; el aire residual y el calor del edificio fueron filtrados por las plantas que crecían en su interior, se limpiaron y se enriquecieron con oxígeno antes de ser conducidos nuevamente al edificio.

Factoría Cultural Madrid

FCMM, vivero de industrias creativas y culturales, se realiza gracias a la adaptación de una sala de tamaño medio en Matadero Madrid. Para poder llevar a cabo la obra, cuyo programa requería entre otros, 120 puestos de trabajo más espacios de reunión y presentaciones, usamos muy pocos materiales, fáciles de instalar, e intentamos crear con ellos la mayor cantidad de áreas diferenciadas, adaptadas a distintas necesidades. Tres volúmenes cercanos a la entrada organizan el espacio, comprimiendo y plegando las circulaciones a su alrededor. Esto crea un gradiente desde lo compacto a lo expansivo, de lo agitado a lo tranquilo, que permite proporcionar una cierta variedad, adaptabilidad y flexibilidad a los ambientes de trabajo. En poco más de un mes se construyó un proyecto reversible, ‘envasado al vacío’ en su precisión, adaptable a las distintas necesidades del cliente, por una cantidad, inferior a los 105 euros por metro cuadrado, que permitió que el proyecto acabase llevándose a cabo.

Espia en casa

En la exposición Spanische Spione, todo está dominado por una cápsula a la que el público puede acceder subiendo unas escaleras. Esta cápsula se eleva sobre el nivel habitual de disfrute artístico, jugando con la idea del arte como instrumento de elevación o escalada social, de ahí el título de la pieza AAAEE (Art As An Elevating Experience). La posición de la cápsula consigue situar a los galeristas como piezas de la propia exposición, vistos en su oficina a través de las piezas de metacrilato. La primera ocasión en la que se mostró AAAEE fué en la edición de 2004 de la feria internacional de arte ARCO Madrid, que hacía de la propia feria una obra de arte mediante la apropiación de una vista general de la misma.

City Display Barcelona

Esta instalación de arte público generativo se realizó, por encargo de Abalos & Herreros, arquitectos de la Planta de tratamiento de residuos urbanos de Barcelona, que era la fachada principal del Forum de las Culturas de Barcelona de 2004. Parecía interesante aprovechar la oportunidad de la gran máquina de tratamiento de residuos para producir un prototipo de nueva fachada contemporánea que se relacionase con los ciudadanos y que permitiese su diálogo en un espacio público. Los visitantes del Forum de las Culturas podían escribir mensajes con sus móviles en directo, en un tamaño de 55×16 metros, lo que los convertía en un modo público de comunicación. Otro panel se situaría en el paisaje urbano en movimiento que constituye la autopista de circunvalación de Barcelona, proporcionando un espectáculo fugaz a miles de conductores: 440 bombillas LED de color azul servirían para monitorizar los propios sensores de la planta, haciendo visible datos medioambientales relativos a su propia basura a los ciudadanos de Barcelona o cualquier otro tipo de información de manera gráfica, rápida e intuitiva o retransmisiones del mar que se halla detrás, bloqueado por la misma planta de tratamiento de residuos que le sirve de soporte.

AAAEE 2

La segunda versión de AAAEE la desarrollamos, con un concepto parecido a la anterior, en la edición de 2004 de la feria ARCO. Fue otra oportunidad de hacer de la propia feria una obra de arte mediante la apropiación de una vista general de la misma. El público asistente era elevado sobre el ‘nivel cero’ de la feria. El arte se convierte, en AAAEE, de forma literal, física, en una experiencia elevadora. La propuesta es también una atracción de feria, un viaje. La pieza convierte el espacio de la feria en un “Playtime” de un tono naranja marciano, en un paisaje coloreado que contrasta con la extrema nitidez de la percepción de los objetos y los acompañantes en el interior.

AAAEE 1

La dirección de ARCO pedía un espacio de descanso o chill-out. La propuesta consistió en producir un espacio de descanso en el cual había que hacer más ejercicio. El descanso se producía, en primer lugar, al forzar al cuerpo a abandonar el movimiento en horizontal, para subir por la espalda de un objeto de 6 metros de altura.El objeto es un elemento arquitectónico, una escalera, fuera de lugar, que no lleva a ningún sitio. La escalera se transforma, dependiendo del momento y la altura, en un mirador, un lugar de encuentro, la grada para asistir a un espectáculo……una pasarela de moda, un lugar en el que ver y ser visto. El segundo descanso era el de la vista, para la que se recuperaba el vacío del pabellón de exposiciones. El arte visto desde 6 metros de altura.